​YEH JEN-KUN

色彩與記憶的慢板

 

文 / 陳玟妤

 

        為了營造想像中的畫面，使色彩同時輕透卻又飽和、富有層次，在學時就讀水墨組的葉仁焜開始自學膠彩，深入研究結合水墨與膠彩的創作方式，並發展出「關於這城市的氣味」、「崩解的信仰」、「星星、花火與理想生活」等多個描繪人之情感與狀態的系列創作。葉仁焜的作品以隱晦、詩意的方式，傳達生活中的思想與感受，始終貫穿著惆悵的基調。膠彩的使用放慢敘事與傳遞的節奏，凝滯了時空記憶，畫中景象看似自然，實則是通過擬造、拼湊、組合而成。對觀念與媒材表現的探索，展現出葉仁焜創作中的當代特質。

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Q：怎樣的創作需求促使你結合水墨與膠彩進行創作？你在結合這兩種傳統媒材時做了哪些轉化？

 

A：起初我的繪畫還是以傳統紙本水墨為主，進入北藝大後，我開始思考關於「創作」這件事情。我試圖描繪一幅想像中的畫面——希望它的色彩輕透，卻又同時飽和。考慮到紙張耐受度的限制，王怡然老師建議我試試膠彩，這便開啟了我結合水墨和膠彩創作的探索。

　  從學習傳統水墨的重要文本《芥子園畫譜》中，我領會到水墨是由人解構或建構的符號堆疊而成的繪畫形式，水墨有非常多的「符號」。因此在結合水墨和膠彩時，我也在創作中建立起一套符號體系，像是使用結實的短線條去勾勒建築物的形體，表示描繪的空間並非真實建築，而是組合成的景象。或在描繪無人場景時，我簡化草叢的形態，以一種海浪般的符號來象徵「植物」，體現建築本體即便荒廢卻又未曾消失。至於膠彩部分，常將天空的顏色設定為深藍色階，那是在白日與夜晚交接之時天空的顏色，我以這樣一天之中較為曖昧不明的狀態、時空，回應畫中擬造的建築空間。隨著創作中膠彩使用比例的提升，水墨亦轉以更為原始的概念，如符號、墨的灰階、山水佈局等形式，保留在我的創作語彙中。

 

Q：早期的創作為何選擇圍繞「城市的無人風景」為主題展開？當中出現的動物角色象徵著什麼？

 

A：過去我容易在同一幅畫中置入過多的訊息，因此我嘗試轉換策略，用多幅作品去呈現同一主題，故選擇了以「城市的無人風景」去發展一系列創作，透過建築展現的空間與人之間的關係，探討不同的情感與意念。

　  隨著系列的開展，我也會借助對動物的了解與想像，表現城市中人的情感和姿態，比如用長頸鹿的意象，描述去到不屬於原本生活環境時人的存在狀態。長頸鹿是來自外地的生物，但其花色具裝飾性，如同城市建築的裝飾，既隱沒於城市卻又不屬於城市。而「鹿」的性格敏感，易受驚嚇，警覺性高，移動的姿態又較其他動物輕巧，我便把「鹿」比作人在面對記憶時產生的感受——人可能會因為看到某些事物，聯想到另一些曾經發生過的事……，這些聯想無論好壞，都如鹿一般，是突然跳進思緒之中的，可能引發人們對於記憶中相似環境警惕或想躲藏、帶有保護色的心理狀態。

 

Q：近年你繪畫的主題從對城市建築的描繪轉向對自然空間的呈現，背後是否有什麼故事？

 

A：我在2016年後就不再繼續發展城市的無人風景系列了，原因是身體出了些問題，手部容易發抖、無法繪製直線。我開始思考新的創作面相而轉畫比較多剛硬的自然元素，例如岩石、自然物，如此即便筆觸稍有誤差，仍能呈現出自然的肌理效果。我也更深入地研究繪畫媒材，如近期發展的花火系列，其基底材質、技法都是這段時期摸索出來的。

　 接續「城市的無人風景」系列後出現的是「崩解的信仰」系列，以及探討快速消逝的時間的「星星、花火與理想生活」系列。在「理想生活」系列中，我捕捉了〈下雨的時候〉、〈散步的時候〉、〈風吹的時候〉等在生活中讓人產生美好感受的短暫片刻，有時這些作品也是我的願望清單，比如我畫〈爬雪山的時候〉，但我未曾見過下雪的山景。我在〈游泳的時候〉中描繪於山林中裸泳的場景，這在之後也真的實現了。但即使作品多了一些色彩，這些繽紛感也是我刻意營造而來的，本質上，它們仍是很快便會消逝的場景。在時間片刻消逝之後，人又回到了一貫的惆悵之中。

 

Q：在創作中描繪人的狀態與情感，對你而言有怎樣的意義？

 

A：創作記錄了我在生活當下遇到的事情、我的所思所想。我總是有很多事情想說，但又不願意直接地說，因此我會再將它們轉換很多層，成為最終呈現在畫布上的樣態。或許在直觀、快速講述一件事情的時候，經常只能觸碰到事情、情緒的表面，如快速播報的社會新聞，可能過2、3年就會被人遺忘、失去共鳴，但我認為我的作品在時間沉澱後仍然能傳遞、討論這些感受。也因為膠彩本身是一種繁複又「慢」的媒材，須等一層乾去，才能疊上下一層，這樣的操作條件更放慢了我表達的速度。有時，我彷彿藉此刻意將短暫的時光凝結起來。

 

Q：創作「星星、花火與理想生活」系列時，為何想邀請作家鄧九雲撰寫文本，以文字搭配圖像的方式呈現作品？

 

A：其實一開始，我是想邀請一位小說或散文創作者幫我撰寫展覽介紹。朋友向我介紹鄧九雲後，我閱讀了九雲的作品《女兒房》，書中描寫許多單篇的生活小事，這使我萌生了關於合作的其他構想：由於每個人看畫的速度不同，有些人看畫的速度特別快，我希望在作品旁加上文字故事、說故事的語音，拉長觀者在畫前駐足的時間。這多停留的2分鐘，能讓人產生非常不同的感覺。我在展覽前和九雲討論創作的題目，交由九雲去寫故事，有時我的畫還沒完成，她的文字已經先寫出來了。兩人創作速度上的不一，使互文之間產生落差的美感，有時她描寫的一些情緒，恰恰非常貼近我畫面想傳達的訊息。

 

Q：你作品所呈現的畫面與真實世界場景之間是怎樣的關係？

 

A：我作品呈現的是「拼接」的空間，通常是由現實世界的影像解構後，再加以組合的景象。平時我會不斷拍攝周圍景物、瀏覽Instagram、Flickr等平台，累積的影像便成為我創作時的素材庫。像是〈月夜〉中的樹景，有些是我於白天拍攝，作畫時再去呈現夜晚時樹的樣貌而來，我也會從圖片庫中找尋元素，拼湊想像的場景。我曾想過直接畫出印象中的景物，但這往往不似根據照片來描繪場景那般自然。有趣的是，這樣的創作模式和我喜歡觀看的日式庭園倒有些相像。日式庭園透過人工而規矩的方式擬造自然環境，其中的石頭、樹都經過刻意修剪、排列。在創作時，我使用的也是精心挑選和處理過的不自然元素，來組合出看似自然的環境。

 

Q：膠彩進入你的生命，為你帶來了什麼收穫？

 

A：即使到現在，我仍在探索媒材表現的實驗中前進。繪畫漫長的過程難免會令人感到有些枯燥，但膠彩常常能帶來一些趣味，比如操作失誤可能因此產生一些更特別的視覺可能。我也一直告訴我的學生們，不要認為「畫壞」就代表作品「壞了」，反而可以去思考如何能讓畫面變得合理。膠彩也讓我遇見許多有趣的人，像是找到鄧九雲和我合作，我仍然會和周遭同樣在畫畫的友人交流繪畫技巧，從中獲得靈感的火花。雖然這許多的趣味、故事都是意外，但就如同膠彩，對我來說它本身也是插曲。